Groove, funk, soul.
Con queste tre parole è stato descritto Everything, il singolo che anticipa Deeper, il nuovo album di Lisa Stansfield, l’ottavo della carriera, in arrivo il prossimo 6 aprile, a cui l’artista ha lavorato anche nel ruolo di produttrice esecutiva.
Questa la tracklist:
Everything
Twisted
Desire
Billionaire
Coming Up For Air
Love Of My Life
Never Ever
Hercules
Hole In My Heart
Just Can’t Help Myself
Deeper
Butterflies
Ghetto Heaven
BITS-RECE: radiografia emozionale di un disco in una manciata di bit.
Quello che trovo profondamente affascinante in Paloma Faith è la sua teatralità innata, una componente quasi melodrammatica che esce dalla sua voce, dalle sue immagini, dalla sua recitazione (sì, è anche attrice).
Anche in The Architect, suo ultimo lavoro, la si può osservare: un disco soul maestoso, orchestrale, a tratti barocco e con diversi tratti elettronici, che per la prima volta nella carriera dell’artista acquista anche caratteri politici e sociali.
L'”architetto” del titolo è infatti Madre Natura, e nei suoi nuovi brani la cantante sviluppa tematiche come la guerra, i rifugiati, la Brexit, il futuro, persino la sanità.
Temi con cui Paloma, cittadina britannica e da poco madre, si è trovata a convivere direttamente. Uno dei brani, Lost And Lonely, racconta il mondo addirittura dal punto di vista di uno scheletro, in una prospettiva ben poco rassicurante per il futuro.
Tante le collaborazioni, da Sia, autrice di Warrior, al duetto con John Legend in I’ll Be Gentle, fino ai due discorsi politici pronunciati da Samuel L. Jackson in Evolution, e Owen Jones in Politics Of Hope.
Il Natale di Sergio Sylvestre sa prima di tutto di famiglia. E quello di quest’anno sarà in qualche modo diverso dagli altri perché sarà il primo senza suo padre.
Inevitabile quindi pensare che il clima delle feste porti con sé anche un velo di malinconia, come del resto accade a molti di noi, riscaldato però dall’impegno a essere felice.
Proprio quest’anno Sergio celebra il Natale con un album in tema, e trattandosi del “Big Boy” non poteva che essere un Big Christmas.
Un disco che si muove nel solco della tradizione senza effetti speciali, con i classici natalizi e qualche sorpresina infilata qua e là, con un’intensa versione di Hallelujah e una delle più convincenti interpretazioni di I Will Follow Him, brano reso celeberrimo da Sister Act, che si siano sentite in giro ultimamente. O ancora Over The Rainbow, che con il Natale non ci ha molto a che vedere, ma che si prende posto molto agevolmente tra le tonalità avvolgenti del resto dell’album.
Immaginate tre fratellini scalmanati
che non vedono l’ora di scartare i loro regali.
Immaginate un papà haitiano entusiasta,
coloratissimo tutto l’anno, che a Natale
manifesta il massimo della sua euforia.
Immaginate una mamma messicana
fortemente legata alle tradizioni religiose.
Questo è il Natale della mia famiglia: un ’esperienza
così intensa da andare oltre ogni immaginazione.
Il Natale è sempre stato per me una buona occasione
per star bene, per essere felice e per rendere
felice chi amo davvero.
Questo è il mio modo per rendere speciale
il Natale anche quest’anno.
Il primo Natale senza mio padre ma anche
il primo Natale in cui farò tesoro
del suo consiglio più importante: essere felice!
Sergio
I Soul System tornano al futuro, Back To The Future, come dichiara apertamente il titolo del loro primo album omaggiando la pellicola di Robert Zemeckis. Il riferimento è nella musica che riempie le 11 tracce del disco: soul, funk, dance, reggaeton, pop, tutto miscelato con echi del passato e rivisitato con i suoni di oggi.
Un album coloratissimo, una festa in musica dalla prima all’ultima nota che fa delle differenze e della varietà un punto di forza, proprio come hanno deciso di fare i cinque ragazzi.
Tutti di origine ghanese, ad accezione dell’italiano Alberto, e cresciuti tra Verona e Brescia, i Soul System parlano di sé come di una grande democrazia, in cui ognuno svolge un ruolo ben definito e il contributo di tutti serve per la buona riuscita del progetto.
Dopo essersi fatti le ossa con un po’ di date dal vivo e dopo la vittoria all’ultima edizione di X Factor, hanno iniziato a mettere mano al progetto del disco, arrivando ad avere tra le mani più di 20 tracce, per poi scremare eliminando tutto ciò che poteva apparire troppo azzardato a livello di contaminazione: “Non abbiamo potuto fare tutto quello che avremmo voluto, certe cose erano davvero troppo avanti e troppo alternative, per cui ci siamo affidati al nostro produttore, Antonio Filippelli, che ci seguiva già a X Factor, e che è in grado di far stare il nostro suono nel bacino commerciale senza però toglierci l’identità. Ci stiamo costruendo poco per volta e adesso era essenziale proporre al pubblico qualcosa di immediato e che facesse venir voglia di ballare. I conti con mercato discografico vanno fatti”, confessa Leslie, l’anima rap della compagnia.
I riferimenti al passato si colgono immediatamente nel singolo Liquido, che riprende il nome della band tedesca che nel 1999 è arrivata al successo internazionale con Narcotic, di cui la canzone riprende la melodia; ma echi leggendari si ascoltano anche in Single Lady, che va invece ancora più indietro nel tempo fino a What Is Love, successone dance di Haddaway dei primi anni ’90.
È infatti soprattutto dal bacino sonoro degli anni ’80 e ’90 che hanno pescato i Soul System, dalla musica che ascoltavano sui vinili i loro genitori e dalla musica che hanno ascoltato loro sulle cassette quando erano piccoli, fino a Michael Jackson, James Browne, Earth, Wind & Fire, il gospel. Un salto nel tempo di almeno un ventennio, che oltre a marcare una profonda differenza stilistica mostra anche un diverso approccio alla musica: “Prima si stava in studio di registrazione per delle ore prima di arrivare ad avere la base di un brano, si provavano e riprovavano le sequenze di percussioni, oggi la tecnologia permette di accelerare i tempi”, dice Joel. “Oggi poi è tutto molto più contaminato, basta pensare che Drake ha fatto un album intero con i campionamenti. Bisogna star dietro a questi cambiamenti per non risultare vecchi”, gli fa eco David.
Back To The Future è un omaggio al glorioso passato, ma nello stesso tempo è un manifesto di ciò che è il gruppo oggi. Anche per questo non sono stati coinvolti ospiti, per lasciare alla band tutto lo spazio di agire in libertà e fare in modo che al centro dell’album ci fossero solo i Soul System.
Tra le parole d’ordine pronunciate con più frequenza dai membri della band ci sono naturalmente beat, groove, flow, funky. E swagga, ormai slogan abituale del gruppo. E poi c’è un titolo, Whiteniggas, ovvero “negri bianchi”: un manifesto della filosofia del gruppo, un messaggio di uguaglianza e nello stesso tempo un invito a sfruttare le differenze. Se la musica è bella, lo è dappertutto e lo è senza distinzione di colori, pur essendo pienissima di colori. E chi potrebbe spiegarlo meglio di loro, quasi tutti africani che sono cresciuti in Italia e che cantano in inglese? Ecco perché siamo tutti whiteniggas.
Ma c’è ancora qualche frangente musicale su cui i Soul System non hanno ancora messo le mani? E’ Don Jiggy a parlare: “Già in questo primo album abbiamo toccato parecchi generi, ma forse non ci siamo addentrati molto nel reggae: lo abbiamo sempre fatto dal vivo, ma nei brani ne abbiamo messo poco, anche perché oggi il reggae si è evoluto nel reggaeton e nell’afrobeat”.
Evoluzione, varietà, fusione: è questa la democrazia dei Soul System.
BITS-RECE: radiografia di un disco in una manciata di bit.
C’era una volta Ke$ha, quella che scriveva il suo nome mettendo il simbolo del dollaro al posto della S, quella che si copriva di glitter e vernici colorate sul corpo, quella che scalava le classifiche mondiali a suon di elettropop scanzonato e pestifero. Poi a un tratto tutto questo non c’è più stato: basta riflettori, basta luccichio, basta musica. Kesha è scomparsa, fagocitata nel silenzio da una brutta storia di violenze fisiche e psicologiche subite dal produttore Dr. Luke, a cui è seguita una crisi depressiva, un ricovero in rehab per disturbi alimentari e una lunga trafila legale per svincolarsi dagli obblighi che la tenevano legata al suo persecutore.
Sono serviti anni, ma oggi Kesha è tornata.
Il simbolo del dollaro nel nome non c’è più, i glitter neppure, i suoni elettronici molto meno, ma i colori sì, quelli ci sono tutti. Anzi, ce ne sono se possibile più di prima, perché dopo la brutta tempesta è comparso un arcobaleno. Rainbow, appunto, come il titolo di questo terzo album.
Il disco del ritorno, professionale certo, ma soprattutto umano.
Dal pop sporco e disubbidiente, Kesha si è spostata sul country, sul soul, sul funky, recidendo quasi del tutto ciò che è stato. I testi dei nuovi brani grondano di autoaffermazione, amore di sé (Praying, Hymn), guerra ai fantasmi e ai bastardi di ieri (Bastards), orgoglio femminile (Woman), e la speranza non è più un mezzo per sopravvivere in apnea, ma viene celebrata essa stessa come un traguardo, perché già arrivare a sperare è la prima vittoria.
La miglior manifestazione di questo messaggio è nell’intro del video di Praying, il primo, intensissimo singolo, la canzone della rinascita. Un moderno mito della Fenice, una dichiarazione di orgoglio sotto tutti i punti di vista.
Spiazzanti poi le collaborazioni, che vedono schierati i rockettari Eagles Of Dead Metal, i campioni del funky Dap-Kings Horns e Dolly Parton, la signora del country.
Un disco sorprendente per la sterzata stilistica e generoso nelle tinte sonore, che potrebbe lasciare parecchio interdetti i fan della Kesha di tempi di Tik Tok e Die Young. Un album pieno di potenziali inni e manifesti di libertà, ma privo di pezzi spaccaclassifica.
Poche volte una storia personale si riversa in musica in maniera tanto limpida e sincera come in questo album, senza sovrastrutture retoriche e sensazionalismi mediatici, e almeno per una volta senza tirare in ballo lacrimevoli amori frantumati.
Ma al di là del rock, dell’R&B, del country e del funky, dentro a Rainbow c’è qualcosa di molto più potente: il suono di una ritrovata libertà.
“Dopo la mia esperienza ad X Factor, un frullatore di emozioni dal quale ho tratto solo cose belle, non volevo gettarmi immediatamente in un progetto discografico per cavalcare l’onda della notorietà – dichiara Aba – ho preferito lasciar sedimentare le emozioni per produrre un disco pensato, cucito su di me, che parlasse di me e con il quale poter parlare”.
Finalista ad X Factor nel 2013 sotto la guida di Elio, Aba sta per tornare con un nuovo album, Oxygen, in arrivo il 14 luglio.
Tredici brani tra rock, funk, soul e blues.
L’uscita del disco è stata anticipata da Never Done Before che, in continuità con Get Me High del 2016, riprende il filone del funk rock anni Settanta, “un inno all’amore libero”, che implora l’accettazione totale dell’altro, come ben mostra il video che accompagna la canzone.
Oxygen raccoglie tanta vita di Aba, ci sono “traumi, sofferenze e dolori, gioie, sentimenti di stomaco, filosofia di vita, ma anche qualcosa di più leggero e orecchiabile, un bel ritmo, e meno pensieri. Sguardi sulla vita di una ragazza determinata, sensibile, forte quando neanche sa di esserlo, passionale, complicata, ma semplice nella ricerca delle emozioni quotidiane. In un ambiente che pensa prima all’immagine e poi alla musica, questo disco rappresenta per me la mia vera espressione, una boccata d’ossigeno”.
L’album è stato finanziato attraverso Musicraiser, la piattaforma di crowdfunding per i musicisti, dove Aba ha attivato la campagna che, in pochi mesi, ha raggiunto il 170% dell’obiettivo.
Aba presenterà al pubblico il nuovo lavoro in alcuni appuntamenti live.
Questi i primi appuntamenti:
21 luglio – Padova (Firmacopie e mini-live presso il Mondadori Store, ore 18.00)
10 agosto – Spinone al Lago ( Aba & band al festival “Notte sotto le Stelle”, ore 21.00)
17 agosto – Jesolo (Aba & band al Terrazza Mare, ore 21.00)
18 agosto – Camponogara (Aba & band in Piazza Mazzini, ore 21.00)
Brillare, sprofondare, quasi morire per poi risorgere. È stata questa la storia di Kesha.
Le sue vicende legali e personali sono finite sulle pagine di tutti i giornali, oltre che in tribunale: per anni l’artista non ha potuto pubblicare nuova musica a causa di vincoli burocratici che la legavano all’ex produttore Dr. Luke, da cui l’artista voleva allontanarsi dopo aver subito violenze sessuali e psicologiche.
Dopo lunghe traversie legali e periodi trascorsi in cliniche di rehab a causa della depressione, la vicenda si è finalmente risolta e Kesha ha potuto far ritorno alla musica.
Il come back ufficiale lo fa ora Praying. Messo (momentaneamente?) da parte l’elettropop glitterato che l’aveva fatta conoscere al pubblico, Kesha si ripresenta con un brano dalle influenze orchestrali e quasi soul, che vede anche la firma di Ryan Lewis.
Ad accompagnare il singolo, un video diretto da Jonas Akerlund che riassume il significato di questo brano e di questo ritorno dopo il lungo periodo buio.
Kesha ha inoltre spiegato il senso profondo del nuovo singolo e del suo messaggio in una lettera pubblicata sul sito Lenny Letter.
L’11 agosto è invece prevista l’uscita in digitale di Rainbow, il nuovo album, a cinque dal precedente Warrior. Trai nomi coinvolti, i Dap-Kings, che suoneranno i fiati nella title track, gli Eagles Of Death Metal e Dolly Parton, che rilegge assieme a Kesha Old Flames Can’t Hold A Candle To You, successo country degli anni ’80 alla cui scrittura aveva preso parte anche la madre di Kesha.
Insomma, al di là di tutto, questo è sicuramente uno di quei casi in cui il ritorno di un artista fa particolarmente piacere.
Versione rivista da Shield (aka Daniele Contrini) di Where Love Lives, super classico house dell’artista londinese Alison Limerick datato 1990.
Piano-house, deep e soul si fondono alla grande, e il passato torna di moda.
Lo dico subito, senza esitazioni: Mario Biondi non è bravo. Mario Biondi è un figo. Ma un figo vero, naturale, di quelli che non devono sforzarsi per esserlo, forse perché hanno la “fighezza” che gli scorre nelle vene al posto del sangue. Non ci può fare niente, lo è e basta.
Mario Biondi sale sul palco e lo fa suo, e tu che sei lì davanti non puoi che restare ipnotizzato a guardarlo, provando un entusiasmo che probabilmente è solo una parte infinitesima di quello che prova lui, perché a Mario Biondi stare sul palco di un concerto deve piacere proprio tanto. Ma tanto tanto!
Sono già passati dieci anni da quando il suo nome ha iniziato a circolare tra il grande pubblico con l’album Handful Of Soul, anche se lui cantava già da tempo.
Questo anniversario lo ha festeggiato a novembre con la raccolta Best Of Soul, e adesso con un a serie di concerti in cui ripercorre questo decennio dorato, partendo dalla fortunata This Is What You Are fino a oggi. Ho assistito al primo dei due live in programma al Teatro degli Arcimboldi di Milano, e dal momento che in precedenza non l’avevo mai visto dal vivo, la domanda che mi sono fatto è stata perché diavolo mi fosse sempre lasciato sfuggire l’occasione.
Quando è al centro della scena, Biondi seduce, balla, ancheggia, gigioneggia, scherza, e poi ovviamente canta, uh se canta!, accarezzando con uguale naturalezza soul, pop, echi di bossanova, disco music.
Di solito quando si parla di lui, uno dei primi paragoni che vengono mossi – anche per il timbro molto simile – è quello con Barry White, che tutti chiamavano il leone del soul. Ecco, se dovessi associare un animale a Mario Biondi, più che al leone io pensieri a un gattone, al Maine Coon per l’esattezza, che ti guarda sornione, ti strizza gli occhi, ti allunga le sue zampe felpate, conquistandoti senza scomporsi. E ti fa le fusa con una voce nerissima e profondissima.
Due ore abbondanti di concerto volate via in uno schiocco di dita, senza cali di tensione o di stanchezza. Musica, musica, musica, ricordando anche maestri e mentori, come Al Jarreau e Burt Bacharach. Roba che quando ti alzi dalla poltroncina hai la frenesia in corpo e vorresti ricominciasse tutto daccapo.
Menzione speciale per Serena Brancale e Serena Carman, le due vocalist che affiancano Biondi sul palco: ragazzi, che voci!!
Non si diventa soulman, ci si nasce nasce. E Mario Biondi, modestamente e indiscutibilmente, lo nacque.
I Wonder Why è il singolo di Maxé, giovane dj/producer tedesco di origini italiane.
Nelle sue produzioni unisce un mix di sonorità che spaziano dall’elettronica alla musica acustica, alla house, alla nudisco, alla deep house, tutto contaminato da hip-hop, soul e funk, la sua vera passione.
Molte le sue collaborazioni con artisti del calibro di Redman, Method Man, Masta Ace, The Beatnuts, Afrob e Cece Rogers. Inoltre, è anche produttore del progetto GOH e ha preso parte al singolo I Used To Be feat. Redman & Method Man.