La forma (tridimensionale) dell’acqua. Quattro chiacchiere con Marco di Noia e Stefano Cucchi

Si intitola Elettro Acqua 3D ed è probabilmente uno dei progetti musicali più all’avanguardia realizzati negli ultimi anni. Se poi ci aggiungiamo che è tutto made in Italy c’è davvero di che andarne fieri e cercare di capirne un po’ di più.
Artefici sono Marco di Noia, cantautore, giornalista e social media manager della nostra Nazionale, e il sound designer Stefano Cucchi. Insieme a loro, oltre ai vari musicisti, anche Andrea Messieri, fisico ed esperto di sintetizzatori.
Ma in cosa potrà mai consistere un progetto musicale che coinvolge professionisti di ambiti così distanti? Beh, partiamo subito col dire che non si tratta di un album tradizionale, ma di un app-album, un disco rilasciato tramite un’applicazione scaricabile su smartphone e tablet. Il tutto gratuitamente e con la possibilità di avere a disposizione contenuti multimediali di vario genere, come testi, immagini e video.

Come il titolo lascia intendere, si tratta di un progetto di musica elettronica incentrato sull’acqua, che porta l’ascoltatore in una vera e propria immersione sonora: le tracce sono infatti intervallate da interludi 3D, realizzati dando ai suoni una forma tridimensionale e offrire così un’esperienza di ascolto totalizzante.
Se quindi pensavate che solo il caro, vecchio vinile potesse ancora offrivi la miglior qualità di ascolto, forse non eravate molto aggiornati…

Qual è stata la genesi di questo progetto, decisamente all’insegna della sperimentazione?
Marco Di Noia: Io e Stefano ci siamo conosciuti alcuni anni fa, poco dopo l’uscita del mio primo EP. A Mauro Pagani era piaciuto il mio lavoro, ma essendo io un autodidatta mi ha consigliato di farmi aiutare da qualcuno che avesse studiato musica, perché le mie strutture erano troppo semplici e prevedibili. In fondo, anche De André si era fatto aiutare. Volevo approcciarmi ai suoni elettronici e fare qualcosa di più moderno, che non seguisse la classica impronta folk cantautorale. Ho messo un annuncio e tra quelli che hanno risposto c’era anche Stefano, un pianista con studi in Conservatorio e l’amore per l’elettronica. Abbiamo anche scoperto di avere in comune la precisione e il perfezionismo, oltre all’amore per i Queen. Da quello che doveva essere in origine una versione 2.0 del mio EP è venuto fuori giorno dopo giorno un vero e proprio mondo: abbiamo iniziato a sperimentare con i suoni, abbiamo azzardato con i palindromi, i canoni enigmatici, poi ci siamo indirizzati sui synth, il theremin, i campi magnetici, le onde martenot, il trautonium, che mai nessuno aveva utilizzato in Italia, l’ondioline… Avevamo già fatto 30 e ci siamo ritrovato a fare 31, 32, e anche 33, e alla fine il progetto si è preso quattro anni di tempo per essere completato. Una volta chiusa la fase musicale abbiamo sottoposto il lavoro a professionisti come Mauro Pagani, Stefano Senardi e Vince Tempera, e si è posto il problema di come veicolare un lavoro di questo tipo, sicuramente difficile da vendere. Abbiamo pensato di mettere al centro l’ascolto in cuffia, dando quindi al suono una forma tridimensionale, e alla fine abbiamo deciso di pubblicare tutto su un’App, così da poter offrire oltre alla musica anche altri contenuti, materiali di approfondimento meta-artistico.

Un’immersione nella musica, insomma.
Di Noia: Esattamente. Meglio ancora, un viaggio. Il disco infatti è stato pensato per i viaggiatori, che oggi sono gli unici ad avere il tempo da dedicare all’ascolto, in particolare all’ascolto in cuffia. Mentre l’idea del suono 3D c’era fin dall’inizio, la scelta dell’App è venuta dopo, ed è stata dettata proprio dal fatto che chi deve spostarsi può accedere comodamente dallo smartphone o dal tablet a tutti i contenuti.

Non è un paradosso che nell’epoca in cui quasi tutti gli artisti lamentano la scarsa qualità del suono digitale e ricorrono al supporto fisico del vinile voi siate riusciti a dare piena centralità al suono proprio in un app-album?
Di Noia: Io e Stefano siamo figli dell’epoca dei vinili, di quando i dischi si andavano a comprare nei negozi e si collezionavano, ma quel tempo oggi è passato, inutile nasconderlo. Venendo da un’esperienza professionale nel mondo digitale, mi sono reso conto che l’unico modo di affrontare la questione era smettere di considerare il digitale un nemico e farcelo alleato. Per comodità, i brani dell’album infatti si possono scaricare in mp3, ma di ogni traccia è disponibile anche il formato wave: con un paio di cuffie di buona qualità il suono è perfetto.

E il ritorno al vinile degli ultimi anni come ve lo spiegate?
Cucchi: Siamo romanticamente legati a un ascolto senza salti di tracce e senza playlist. Prima i dischi si compravano per essere ascoltati dall’inizio alla fine, oggi non si fa più, se non in qualche caso.
Di Noia: C’è sicuramente una componente psicologica, il vinile ti dà quasi l’idea di produrre il suono in quello stesso istante, ed è affascinante, ma il modo in cui si fruisce della musica è cambiato. Un po’ di tempo fa un gestore di locali mio amico, non più giovanissimo, mi ha detto che gli piaceva molto l’idea del nostro progetto, ma che la copertina dell’album non ha nessuna attrattiva. Ecco, il punto è che ormai non si fa più un discorso di copertine, ma si ragiona per singoli post: quella che lui ha visto è la copertina dell’App, ma poi ogni brano ha un visual diverso. Se dovessimo pubblicare la versione fisica del disco penseremo anche alla copertina, ma per ora ci interessa la condivisione online.

Un altro aspetto interessante è il tema che lega tutti i brani dell’app-album, l’acqua. Un elemento primordiale, esattamente l’opposto dell’impronta sperimentale dell’intero progetto.
Di Noia: Il disco si apre con una poesia sull’acqua recitata da Andrea Cattaneo, un’artista maschile, ma dotato di una voce barocca. Ed è lui a pronunciare anche l’ultima parola dell’album, “vivere”, quasi a chiudere un cerchio ideale in cui l’acqua è il simbolo della vita. Inoltre l’acqua è sempre presente lungo l’intero album anche dal punto di vista sonoro.
Stefano Cucchi: L’acqua in natura assume molteplici forme: la goccia, il ruscello, il fiume, ma anche la nuvola può trasformarsi in acqua, e quello che ho provato a fare è stato trasporre queste diverse forme all’interno del disco. Non è un caso che il primo suono che si ascolta sia quello della sinusoide, un suono puro, che poi passa attraverso frequenze diverse, come una goccia che si trasforma. Negli interludi dell’album ci sono tanti suoni acquatici, naturali o ricostruiti, e ci sono ricostruzioni di interi paesaggi acquatici.
Di Noia: Un altro elemento che accomuna l’acqua al nostro progetto è la profondità: il mare ha una superficie, ma ha anche un fondale, e così è questo lavoro, che presenta elementi e significati che non si colgono all’istante, ma hanno bisogno di un ascolto approfondito.

E poi c’è Milano.
Di Noia: Per me è la città di nascita, ed è il punto di inizio e di fine del viaggio all’interno del disco. Non solo, ma i suoni di Milano sono anche stati campionati, oltre a quelli degli animali della savana: ci sono i rumori dei treni, gli avvisi della metropolitana. Abbiamo usato il rumore di un condizionatore per ricreare il suono del grillo.

I suoni degli altri animali sono naturali?
Di Noia: Alcuni sì, altri sono stati ricreati sinteticamente. Il ruggito dei leoni l’ho registrato direttamente nella savana, svegliandomi alle 5 del mattino. Volevo inserire nel disco anche il suono dell’emù, che è molto basso e percussivo, simile a quello del bongo, ma il mio cellulare non l’ha registrato…

La sperimentazione ha riguardato anche l’uso delle voci. Prima parlavate di Andrea Cattaneo, ma anche la voce di Marco è stata sfruttata in tutte la sua estensione.
Cucchi: In ambito cantautorale forse i nostri esperimenti non sono mai stati tentati, non solo per l’utilizzo dell’estensione della voce, ma anche per gli intrecci e le armonizzazioni che abbiamo realizzato.
Di Noia: Il produttore con cui avevo lavorato precedentemente mi aveva sconsigliato di sfruttare il falsetto, perché diceva che il pubblico era abituato a sentirlo dalle interpreti femminili. Mi è stato anche detto che non essendo omosessuale non potevo usare il falsetto come Freddie Mercury o Mika: un discorso purtroppo molto provinciale che non ho riscontrato all’estero, dove invece ho sempre trovato un pubblico entusiasta.

Come hai scoperto di avere un’estensione così ampia?
Di Noia: Ascoltando la Wuthering Heights cantata da Andre Matos degli Angra. Ricantandola ho scoperto di riuscire a farla addirittura un semitono più alta di Kate Bush, tanto che il mio maestro voleva che mi dedicassi al repertorio dei castrati. Ho anche partecipato a un concorso in Inghilterra cantando Bohemian Rhapsody: sono riuscito a prendere lo stesso acuto di Roger Taylor e alla fine ho vinto, pur essendo l’unico concorrente straniero.

Immagino che siate consapevoli che un progetto come Elettro Acqua 3D in Italia non è mai stato realizzato e non sarà facile da “piazzare”.
Di Noia: Sì, è la prima licenza SIAE di questo tipo, e il fatto che la SIAE si stia aggiornando anche per prodotti come il nostro è il segno che i tempi stanno cambiando. Nel 2011 un esperimento era stato già tentato con Biophilia di Bjork, ma all’epoca il mondo delle App non era ancora sviluppato come oggi, e si trattava di un meccanismo complesso. Non ci siamo ispirati a quel progetto, ma lo abbiamo studiato: in quel caso si trattava di un’applicazione gratuita, che però prevedeva il pagamento per tutti gli altri contenuti. Inoltre Bjork era un’artista famosa, e il suo esperimento aveva scopi artistici diversi dal nostro. In futuro penso che il nostro progetto potrebbe fruttare molto all’industria discografica: ci pensi a cosa potrebbe succedere su un’App analoga a questa venisse messa in circolazione a pagamento per i nuovi idoli della trap? Ci sarebbe anche la possibilità di sponsorizzarla, per esempio con una marca di cuffie, e avendo a disposizione grandi budget si potrebbero creare applicazioni molto affascinanti. Il nostro è uno scopo pubblicitario, i contenuti sono gratuiti e non ci interessa se qualcuno copia i file dei brani: noi puntiamo a far arrivare il pubblico alla musica.

Con tutte queste potenzialità, perché le major discografiche non hanno ancora pensato di puntare sulle App?
Di Noia: Penso per una serie di ragioni. Io ci sono arrivato perché metto insieme esperienze nel digital, nel giornalismo e nella musica, che mi hanno permesso di avere una visione molto ampia. Il modello di Bjork non ha fatto molta presa, forse perché era troppo precoce: il momento delle App è adesso, e ci vuole sempre qualcuno che arrivi prima degli altri.

Per concludere, una domanda di rito per BitsRebel: che significato date al concetto di ribellione?
Di Noia: Ti rispondo con una metafora di mia invenzione. Mettiamola così: se si chiude una porta e non si apre il famoso portone, c’è sempre la possibilità di fare un buco nel muro. Ma ribellione è anche non rimanere imbrigliati nei luoghi comuni, in un mondo che ci vuole sempre catalogati, altrimenti si rimane disorientati. Ma chi l’ha detto che non si può essere più cose contemporaneamente?
Cucchi: Cercare la bellezza nelle cose è la ribellione di cui oggi ha più bisogno il mondo.

Il download di Elettro Acqua 3D è disponibile ai seguenti link
– iOS: https://itunes.apple.com/us/app/elettro-acqua-3d/id1411416322
– Android: https://play.google.com/store/apps/details?id=it.marcodinoia.elettroacqua3d

Tutto passa, tutto resta. Come nel nuovo album dei Subsonica

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«Se vogliamo che tutto rimanga come è, bisogna che tutto cambi», si legge nelle pagine de Il Gattopardo, intramontato capolavoro di Giuseppe Tomasi di Lampedusa.
Lì si parlava di Sicilia, di Risorgimento, di ‘800. In questo caso prendo a prestito il riferimento letterario per parlare di Torino, di musica, di 2018.

Tutto cambi, perché tutto resti immutato. Tutto passa, e quindi tutto resta. Corsi e ricorsi della storia. La teoria dell’eterno ritorno.
Mettetela come volete, il concetto è il medesimo ed è chiaro: quel che era potrebbe tornare. Anzi, sicuramente tornerà. Lo sanno bene i Subsonica, che hanno applicato questo principio al loro nuovo album, l’ottavo in carriera, 8.
Da buoni torinesi, hanno portato avanti la tradizione esoterica su cui si fonda la loro città, ed ecco che il titolo del disco acquista anche un significato filosofico: 8 come il simbolo dell’infinito, di ciò che non passa mai davvero.
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Dopo un lungo periodo passato ognuno in progetti paralleli o solisti, avrebbero potuto cavarsela con un Greatest Hits di pezzi riarrangiati, per poi raccontare con un’aria annoiata e compiaciuta che per loro erano come dei veri inediti, una pratica molto in voga tra i loro colleghi. Invece, hanno fatto un album di 11 veri pezzi nuovi, in cui è però possibile ripassare sui sentieri sonori battuti in questi vent’anni e più di attività. Da quando, cioè, nel 1997 si sono affacciati sul panorama musicale italiano, per poi affermarsi come una delle grandi realtà del rock elettronico. 
Ma ai retaggi del passato, Samuel, Boosta, Max, Vicio e Ninja hanno aggiunto anche una spinta che dal presente li proietta verso il futuro, il moderno, verso soluzioni non ancora esplorate fino a oggi.
Ecco allora che in 8 si ritrova il fermento degli anni ’90 in episodi come Punto critico o La Fenice, ci sono baldanzosi inserti di groove elettrico, già proposto per esempio nel singolo Bottiglie rotte, e ci sono le sperimentazioni eclettiche, come nei beat afro e nei bassi ossessivi di Nuove radici, dedicata a quei giovani che scelgono di tornare alla terra.  
E poi c’è la poesia, quel lirismo delle parola e dei suoni che i Subsonica non hanno mai davvero abbandonato, ma che hanno manifestato con particolare evidenza solo in certe situazioni: qui lo fanno con le punteggiature sintetiche di L’incredibile performance di un uomo morto e soprattutto con Le onde, il delicato e ispirato omaggio al produttore Carlo Ubaldo Rossi, scomparso in un incidente nel 2015.

Seppur forse lontani dal riproporre pezzi destinati alla memoria come Tutti i miei sbagli o Nuvole rapide, i Subsonica dimostrano che la loro formula alchemica funziona ancora: il tempo l’ha cambiata, ma il suo DNA non si è troppo alterato.
E’ cambiato tutto, ma i Subsonica sono ancora qua. 

BITS-CHAT: Un’esplorazione umana e sonora. Quattro chiacchiere con… Aerostation

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Gigi Cavalli Cocchi e Alex Carpani sono due musicisti con la “pellaccia” dura, due che la musica l’hanno conosciuta molto da vicino, entrambi animati da una passione genuina che li porta a guardare sempre avanti, senza paura di entrare in territori inesplorati.
Due solide carriere parallele alle spalle all’insegna del rock e del prog: Cavalli Cocchi è uno storico collaboratore di Ligabue, per il quale ha curato anche la grafica di diverse copertine, e ha suonato tra gli altri nei Clan Destino e con i C.S.I, mentre Carpani ha dato vita alla Alex Carpani Band, oltre a collaborare con artisti internazionali come l’ex King Crimson David Gross.
Negli anni le loro strade si erano già incrociate, ma mai per dare vita a un intero progetto condiviso. Succede ora, con Aerostation, che è il titolo dell’album (in uscita il 5 ottobre) e il nome del progetto che li vede finalmente collaborare insieme. Con loro, terza anima del gruppo, il bassista Jacopo Rossi, attivo sulla scena metal in band come Dark Lunacy e Antropofagus.
Non c’è un nome per la loro musica: rock, prog, elettronica, pop, crossover. Ci sono solo le sue suggestioni ibride e contaminate, con uno slancio internazionale e uno sguardo puntato lassù, nello spazio.  

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Perché Aerostation?
Alex Carpani: Tu sai il significato di questa parola? Molti pensano che significhi “aerostatzione”, invece vuol dire “aerostatica”, e ha a che fare con tutto ciò che riguarda le mongolfiere e i palloni che volano attraverso l’aria. Abbiamo fatto diverse ipotesi per il nome da dare a questo progetto, cercavamo qualcosa che indicasse il viaggio, l’esplorazione.
Gigi Cavalli Cocchi: Siamo appassionati di fantascienza e abbiamo voluto inserire anche visivamente nell’album alcuni elementi che rimandano a quel mondo. C’è stata quindi una grande attenzione alla parte grafica del disco, di cui mi sono occupato personalmente ideando anche il logo con i triangoli, una figura centrale per il nostro progetto. Proponevo le mie idee ad Alex, e lui approvava sempre tutti: credo che ormai ognuno sa quello che l’altro sa fare.

E l’idea di dar vita al progetto da dove è partita?
Alex: È nata da dieci anni di conoscenza, con carriere parallele, conoscenze comuni e collaborazioni occasionali. Gigi ha anche suonato in un mio disco nel 2010. Abbiamo voluto creare un progetto di respiro internazionale che guardasse anche al di fuori dell’Italia, non per rinnegare il nostro Paese, ma perché non ci si può fermare al nostro Paese. La scelta dell’inglese non è stata dettata da esterofilia, ma da ragioni artistiche, perché il rock si può cantare solo in inglese, e solo con l’inglese si può avere un carattere cosmopolita. Questo non toglie che la nostra sensibilità e le nostre radici italiane possano comunque venir fuori.  
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Che taglio avete voluto dare ai brani?
Alex: Un rock molto diretto, potente, senza fronzoli, con aperture melodiche all’ambient. Entrambi arriviamo da esperienze prog, ma abbiamo voluto alleggerire il nostro bagaglio da tutti i fronzoli e i virtuosismi. Non è stato facile dire tutto con pochi elementi, perché viene più semplice aggiungere tanti ingredienti e poi mescolare i vari sapori. L’intento era quello di proporre qualcosa di nuovo, di diverso, e se il pubblico se ne accorgerà sarà il miglior riconoscimento: fare qualcosa di derivativo oggi è perfettamente inutile.

Siete un “trio power”, ma senza chitarra, anche se si fa fatica a capire che la chitarra non c’è.
Gigi: Lavorando al disco ci sono venute in mente diverse possibilità, da quella di utilizzare una band a quella di prendere un chitarrista. Arrivati a definire il suono che volevamo dare al progetto, abbiamo iniziato a togliere, come diceva Alex. Qualche chitarra c’è, ma poi i suoni sono stati presi da Alex, che li ha rimanipolati, filtrati, trasformati, destrutturati, al punto che non ci si rende conto quando c’è la chitarra elettrica. È stato un lavoro di corrosione dei suoni.
Alex: Inoltre dal vivo abbiamo scelto di non avere un chitarrista, così come di non avere un tastierista, perché io non suono tastiere orizzontali.
Gigi: Un apporto importantissimo è stato dato anche dal nostro fonico, Daniele Bagnoli, un giovane collaboratore che si è innamorato da subito del nostro progetto ed è riuscito a rendere perfettamente il suono che volevamo.
Alex: Ha 26 anni ed è un fonico straordinario, capace di lavorare sia studio che sul palco, due situazioni molto diverse.
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Il concept che lega le canzoni del disco è quello della comunicazione e dell’esplorazione. Come pensate che si sia evoluto il modo in cui l’uomo va alla scoperta dell’altro?
Alex: Intesa verso l’esterno, l’esplorazione fa pensare alla ricerca di altri mondi da scoprire per spostare in là i propri confini di conoscenza. In questo, lo spazio, la cosmonautica e l’avventura spaziale ci ha aiutato molto, soprattutto dal punto di vista iconografico ed estetico, perché piace a entrambi e lo abbiamo tradotto nella parte grafica. I testi invece affrontano di più il tema dell’esplorazione interiore e dell’incomunicabilità dell’uomo moderno: siamo tutti perennemente connessi, eppure siamo tutti abbandonati a noi stessi, soli. Nel disco si parla di persone che si parlano e si innamorano e di persone che si sfiorano e non si incontreranno mai, perché passano veloci attraverso non-luoghi in cui nessuno lascerà alcun segno.
Gigi: Esplorazione è soprattutto evoluzione: l’uomo che esplora l’universo compie un’evoluzione nella storia, ma poi c’è anche l’esplorazione all’interno di noi stessi per portare in evidenza quello che siamo. Riuscire a riproporre quello che siamo senza nessun filtro e nessuna maschera è il punto massimo a cui potremmo ambire, la nostra massima evoluzione. Non so se ci riusciremo mai.

Il titolo dell’ultima traccia dell’album, Kepler-186F, prende spunto da un pianeta scoperto nell’universo con caratteristiche simili alla Terra, e che potrebbe ospitare la vita. Possiamo considerarlo come una metafora di una seconda possibilità?
Gigi: Assolutamente, è come l’altra faccia della medaglia di tutto ciò che salta subito all’occhio, di tutto quello che possiamo vedere subito davanti a noi. È la nostra seconda chance.
Alex: Vuole un po’ essere la chiusura del cerchio del messaggio lanciato nel disco.

Per concludere, una domanda di rito per BitsRebel: che significato date al concetto di ribellione?
Gigi: È la capacità di vivere al di fuori degli schemi prestabiliti. Qualcuno ha detto che il compromesso è il lubrificante della convivenza: ecco, mi piacerebbe evitare di oliare continuamente la nostra vita, per poter fare esattamente quello che vogliamo senza limitare la libertà altrui. Poter arrivare a una convivenza di ribellioni e all’accettazione della ribellione altrui.
Alex: La ribellione è un moto dell’animo, ed è necessaria, prima di tutto a se stessi. Bisogna capire quando non è utile soccombere alla pigrizia, ai propri limiti, alle proprie paure per poter andare avanti. E poi il moto di ribellione deve indirizzarsi all’esterno contro le ingiustizie, per esempio: deve associarsi al dolore e allo shock, perché solo quando qualcosa ci colpisce e ci fa male noi facciamo in modo di stare meglio.

Subsonica: il nuovo album è in pre-order

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8 è l’ottavo album di una band che, pur continuando a evolvere nel proprio approccio alla musica e senza mai smettere di sperimentare, è riuscita a interessare un pubblico sempre più ampio. 

8 è la stilizzazione del tempo che gira su se stesso, è la rappresentazione dell’infinito, è l’occasione per ridefinire un punto di partenza dopo le pause individuali, ricominciando da dove tutto è iniziato. Ma è anche e soprattutto un album di riflessione attenta sul tempo presente.

8 è disponibile, in pre-save su Spotify e pre-order su iTunes.
Il nuovo album dei Subsonica uscirà in fisico e digitale venerdì 12 ottobre 2018.
Per tutti i terrestri che pre-salveranno o pre-ordineranno il disco, ci sarà la possibilità di ricevere in anteprima esclusiva “Punto Critico”, il brano che preannuncia perfettamente un album nel quale i Subsonica rileggono il proprio passato, con gli occhi di oggi. Facendo crescere la voglia di live.

La band torinese sarà inoltre protagonista dal 4 al 19 dicembre di “European reBoot2018” sui palchi di 9 città: Amsterdam, Londra(dove hanno recentemente lavorato al disco con l’ingegnere del suono Marta Salogni, astro nascente, già engineer dell’ultimo album di Björk), Dublino, Zurigo, Parigi, Bruxelles, Colonia, Berlino,Monaco.
Seguirà quindi l’“8 Tour”, la tournée italiana nei palazzetti che toccherà 8 città lungo tutta la penisola: Ancona, Bologna, Padova, Torino, Genova, Milano, Roma e Firenze. 

Tracklist:
1. Jolly Roger    
2. L’incubo feat. Willie Peyote 
3. Punto critico    
4. Fenice    
5. Respirare    
6. Bottiglie rotte    
7. Le onde    
8. L’incredibile performance di un uomo morto    
9. Nuove radici    
10. Cieli in fiamme    
11. La bontà

BITS-RECE: Aphex Twin, Collapse. Riverberi di nevrosi elettronica

BITS-RECE: radiografia di un disco in una manciata di bit.
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Pochi nel panorama dell’elettronica possono vantare la stessa libertà d’azione e nello stesso tempo la stessa notorietà di Aphex Twin.
Il producer inglese ama da sempre sorprendere, prendere in contropiede, e (perché no?) anche provocare il suo pubblico, maldisposto com’è a restare su binari rettilinei.
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E non si smentisce nemmeno adesso con la pubblicazione di Collapse, nuovo EP di cinque tracce, fatto di elettronica anarchica, nevrotica, frenetica, cupa: frequenze che si perdono e poi si ritrovano come in un dedalo di sintetizatori, beat lanciati come schegge impazzite, riverberi caotici.
E’ un tour de force tanto breve quanto irrequieto, che sono in alcuni momenti dell’ultima traccia, pthex sembra trovare un sintetico sollievo.

BITS-RECE: Troye Sivan, Bloom. Scandalo immacolato

BITS-RECE: radiografia di un disco in una manciata di bit. 
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Il nome di Troye Sivan circola già da alcuni anni sul web e nelle radio, ma è solo negli ultimi tempi che – almeno al di fuori della sua Australia – la sua musica sta raggiungendo un bacino di pubblico significativo. Gli elementi per candidarlo a prossima superstar globale ci sono effettivamente tutti: un’età (23 anni) già abbastanza matura per concedergli credibilità artistica, ma ancora appetibile per l’ambito pubblico “teen” (quello che fa gola a tutti gli uffici marketing), un’immagine efebica e intrigante quanto basta e un elettropop adatto tanto ai canali radiofonici quanto alle piste dei club. 
Soprattutto però, quello che non sfugge quando si ha a che fare con lui è la sua personalità, definita benissimo nel suo incontro di candore e audacia.

Proprio appena sotto la superficie patinata si capisce che Troye Sivan non è l’ennesima matricola di pop idol intercambiabile con chissà quanti altri esemplari, ma un artista che nella musica mette davvero se stesso: dopo l’esordio con Blue Neighbourhood, il ragazzo cala infatti ora un carico pesante con il secondo album, Bloom.
Se dal punto di vista sonoro non siamo di fronte a una rivoluzione, il punto di forza di forza del disco è nei testi, in quei racconti (ma in certi casi sarebbe meglio dire rivelazioni) personali, sfacciati, sensuali che non è così facile ritrovare negli album dei suoi coetanei.
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Con il suo synth-pop onirico, la sua elettronica, i suoi ritmi tra downtempo, dance e r’n’b, le sue atmosfere oscure e rarefatte, Bloom è a tutti gli effetti lo spazio di un confessionale privato, l’occasione per svelare segreti, condividere emozioni: Troye non ha mai fatto mistero della sua omosessualità, ma nella titletrack utilizza l’ardita metafora del giardino per arrivare a descrivere la perdita della verginità, oppure sceglie di aprire l’album raccontando in Seventeen una chat erotica con un uomo più adulto, mentre con Animal mostra gli istinti più passionali. E poi c’è la passione quasi carnale di Lucky Strike, ma anche momenti più leggeri, come Dance To This, in duetto con Ariana Grande.

Sotto le sue sembianze immacolate, la nuova voce del pop internazionale svela spregiudicatezza, audacia, erotismo, bisogno di libertà, e lo fa senza scandalo, quasi sottovoce.

Urban Strangers: il ritorno è il 7 settembre con l’album U.S

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Il 7 settembre gli Urban Strangers tornano con il nuovo album di inediti U.S.

Il loro terzo album, prodotto da Raffaele Ferrante (Rufus), è un mix di testi cantautorali e sound internazionale. Per la prima volta Gennaro Raia e Alessio Iodice scelgono di cantare in italiano per arrivare in modo più diretto alle persone pur continuando a sperimentare strade nuove sia nei testi che nella musica.

Non so è il singolo che ha anticipato l’uscita dell’album, con un sound di influenze provenienti dal trip hop, dalla canzone italiana e dall’elettronica contemporanea: “Non so è un nuovo punto di inizio: il primo brano in italiano che descrive il nostro cambiamento. Siamo felici che questa canzone possa essere una rappresentazione chiara di quello che siamo diventati e di quello che vogliamo comunicare”.

I Prodigy sono tornati: il nuovo singolo è Need Some1

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Need Some1 è il nuovo, rovente, acido e martellante primo singolo dei Prodiy, estratto dal nuovo album No Tourists, in uscita in autunno.
Il brano che contiene anche la voce campionata della diva Loleatta Holloway, voce originale di Ride On Time dei Black Box: “Volevo scrivere qualcosa che avesse un downtempo fighissimo, ma che allo stesso tempo suonasse pericoloso”, ha affermato Liam Howlett, presentando il singolo che viene pubblicato insieme al video girato a Manila e diretto da Paco Raterta. “Abbiamo visto un sacco di showreel di registi mediocri, davvero, poi è arrivato Paco, come un pugno in faccia. Il suo stile era grezzo, originale, ho capito immediatamente che sarebbe stato l’uomo che faceva al caso nostro. Il video ha un taglio violento, uno stile incredibile, ed è un qualcosa che noi stessi non avevamo mai visto prima. Secondo noi, un video deve essere girato soltanto se ha un’idea originale, se è entusiasmante e, fidatevi, questo lo è”.

“Need Some1 mostra il lato che preferisco della nostra band”, ha detto Liam.
“Siamo liberi di pubblicare un singolo del genere insieme a tracce dominate da Keef e Maxim, e comunque mantenere la nostra immagine intatta”. Per quanto riguarda la campionatura di Loleatta, Liam ha aggiunto: “C’è sempre un elemento nei nostri brani che ci ricorda da dove veniamo. Quando mi hanno chiesto come sarebbe stato il nuovo album, la mia risposta è stata: Evil Rave. È quello il nostro sound, ci appartiene”.
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Emergono intanto anche i primi dettagli sul nuovo album, No Tourists: composto, prodotto e mixato lo scorso anno dal frontman Liam Howlett, nel suo studio a King’s Cross a Londra, il disco è comunque il frutto del lavoro di tutta la band, perché Maxim e Keef Flint sono fortemente presenti con le loro leggendarie doti vocali.
“Quest’album è aggressivo quanto gli altri, ma in modo diverso”: musicista e cantautore, Liam Howlett ha anche detto che i nuovi brani sono costruiti per il live, ora più che mai. Quest’estate, i Prodigy saliranno sui palchi di alcuni festival, per poi lanciarsi in un tour promozionale del nuovo album le cui date saranno annunciate a breve: “E’ come la chiusura di un cerchio. Non potrei scrivere dei pezzi sapendo che non finirebbero, prima o poi, su un palco. L’idea stessa mi aiuta a scriverli. È la dimensione del live il motivo per cui tutto nasce. E finché avremo la possibilità di farvela sentire dal vivo, continueremo a fare musica”.

Il titolo dell’album si ispira alla determinazione e alla testardaggine: “Per noi, No Tourists parla della fuga, e della voglia e della necessità di sbagliare strada. Non siate turisti, è molto più entusiasmante essere beccati sulla strada sbagliata”.

No Tourists sarà disponibile negli store digitali, su CD, musicassetta e doppio vinile. Sullo store della band saranno inoltre disponibili diversi bundle e un doppio vinile in edizione limitata.

Stay Open: Diplo, MØ e Levante insieme per Tuborg OPEN

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Dalla collaborazione tra Diplo, , resa possibile dal progetto musicale Tuborg OPEN, arriva Stay Open.
Il progetto, giunto alla sua seconda edizione, nasce con l’unico obiettivo di valorizzare e sostenere la musica in tutte le sue forme incoraggiando le persone ad essere “Open To More”, mantenendo un atteggiamento aperto e creativo nel seguire le proprie inclinazioni personali, ma anche vivere esperienze sempre nuove, andando oltre i propri limiti.

Alla base dell’iniziativa vi è la collaborazione tra il dj e produttore americano Diplo e la nuova stella della musica mondiale MØ: i due hanno inciso il singolo Stay Open, invitando Levante a scrivere versi personali, che spieghino cosa significhi per lei essere “Open To More”.
Uno dei momenti fondamentali della collaborazione è stato il viaggio a Copenaghen, patria di MØ, proprio su invito della cantautrice: nel cuore della foresta danese, Levante ha eseguito chitarra e voce il brano nella sua versione.

Il video, nato dalla creatività di Filippo Rossi e della sua squadra, già al lavoro sulle ultime tournée della cantautrice, mescola grafica e immagini reali in un mondo surreale, colorato e pop, un incontro tra l’anima cantautorale e introspettiva di Levante e le sonorità elettroniche di Diplo e MØ.

In Italia, l’invito di Tuborg ad essere “Open To More” si è tradotto in un esperimento perfettamente riuscito: la base internazionale e la componente italiana, rappresentata da Levante, si sono fuse alla perfezione, portando ad un risultato difficile da ottenere altrimenti. Oltre all’Italia, l’’iniziativa Tuborg OPEN coinvolgerà tanti altri artisti da Russia, Cina, Nepal, Bulgaria e Myanmar, dando a vita ad altrettante versioni di Stay Open.

Angelo blu: Achille Lauro e Cosmo in un paradiso tra glam e samba-trap

foto backstage Angelo Blu - Lauro DSC01876
Le luci dei neon, colori fluo, glitter e immaginario glam: con il video di Angelo blu Achille Lauro porta in un vortice notturno alla ricerca della libertà.

Con la regia di Andrea Labate, le scene del video sono state girate a Roma e descrivono la voglia di rivincita di cinque individui, un ragazzino, una signora anziana, un venditore ambulante di rose, un centurione e una ragazza insignificante, che, immobili nei confronti della società e incapaci di reagire alla realtà che incalza, riescono a reagire alla loro apatia.

A salvarli, come veri e propri angeli abitanti di paradisi artificiali e stupefacenti, Achille Lauro, Boss Doms e Cosmo li risvegliano e li salvano dal torpore salendo su un palco di una discoteca.
Angelo Blu Copertina
Angelo blu, traccia che apre l’ultimo album di Achille Lauro, Pour l’amour, è un’inedita spiazzante e visionaria commistione di samba-trap ed elettronica: un’unione resa possibile dal fortunato quanto impensabile incontro tra il rapper romano, il producer Boss Doms e il nuovo astro dell’elettropo italiano, Cosmo.

Il video di Angelo blu esce all’indomani del passaggio – a partire da gennaio 2019 – di Achille Lauro a Soundreef.