“Sparks”, le scintille pop di Osvaldo Supino


Se non vi è mai capitato di imbattervi in Osvaldo Supino, dovreste trovare il modo di farlo: cinque minuti di chiacchierata insieme a lui sono un toccasana per il buonumore. Mescolando con ironia divismo internazionale e veracità pugliese, Osvaldo è animato da un entusiasmo pulito e contagioso che lui stesso non riesce e non vuole nascondere quando parla della sua musica.
Sarà probabilmente per questo che il suo nuovo album – il quarto – si intitola Sparks, “scintille”, come quelle della passione per il suo lavoro, che lo hanno sempre spinto ad andare avanti nel difficile ambiente della discografia indipendente: “Quando sei un artista indipendente non puoi fare altro che continuare a crederci e continuare sulla tua strada, il tuo obiettivo dev’essere quello. Ecco perché non bisogna mai smettere di vedere quelle scintille”. E oggi i fatti sembrano stare dalla sua parte: se infatti in Italia il nome di Osvaldo è conosciuto soprattutto tra i frequentatori della scena underground, all’estero è stato il primo artista italiano a esibirsi al World Pride di Londra nel 2012 e al Miami Beach Pride nel 2015 al fianco di Iggy Azalea e Jordin Sparks. I suoi video sono in rotazione su MTV in Germania, Austria e Svizzera e anche network come NBC, Telemundo e Univision si sono occupati di lui.

Pubblicato dopo la buona accoglienza raccolta dal precedente Resolution, Sparks è un disco “fortemente e volutamente pop”, all’interno del quale Osvaldo è tornato a parlare di sé: “Ho un pessimo rapporto con i social, non li so usare”, racconta, “e per parlare di me uso la musica. Per conoscermi non serve guardare le foto che metto su Instagram o i miei tweet, basta ascoltare la mie canzoni. Per me la musica è una terapia, solo quando canto mi sento davvero sicuro, anche se in apparenza posso sembrare molto estroverso”.
Nel disco c’è spazio per tutto, senza preoccuparsi molto della censura: dagli approcci su Tinder nel singolo Pick Me Up (“siamo la società dei social, tutti usiamo le app di incontri, ma nessuno lo ammette apertamente) a Therapy, che mette invece al centro la sessualità vissuta in completa libertà con il proprio corpo; dalle storie sbagliate di Messed Up (Alessandro) (“è una storia che mi è successa davvero, Alessandro esiste, e mi ha fatto stare malissimo: più io lo cercavo, più lui si allontanava, e io mi ero ridotto a uno straccio. Quasi quasi gli scrivo e glielo dico che l’ho messo in una canzone”, scherza Osvaldo. “Tutti abbiamo avuto il nostro Alessandro nella vita”) a Cold Again, il brano che chiude il disco affrontando un tema delicato come quello della depressione: “Se ne parla sempre poco, ce ne vergogniamo. Invece affrontarlo e parlarne con qualcuno è il primo modo per sentire meno il dolore”.

Come i precedenti di lavori di Osvaldo Supino, anche Sparks è un album che nei suoni guarda molto all’estero, raccogliendo influenze urban, edm e reggaeton. Le registrazioni sono avvenute tra Miami, città a cui Osvaldo è molto legato, e Milano, mentre le collaborazioni portano i nomi di prestigiosi produttori internazionali come Scott Robinson (già al lavoro con Christina Aguilera) e Molly Moore.
Dopo le esperienze in Spagna e in America Latina degli ultimi anni, oltre alla versione inglese, dal 17 aprile l’album sarà disponibile anche in versione spagnola con il titolo Luces: “Per me è una novità. Prima avevo fatto solo degli esperimenti con alcuni brani quando ero all’estero, ed erano stati accolti molto bene. Sono cresciuto ascoltando Alejandro Sanz, cantare in spagnolo è sempre stato un sogno. Ho anche provato a incidere un brano in tedesco: forse lo pubblicherò più avanti, perché mi piacerebbe portare avanti per un po’ il progetto di Sparks. Non penso però di farlo dal vivo perché è stato difficilissimo registrarlo”.

 

Gesaffelstein, “Hyperion”. Una scurissima notte elettronica

BITS-RECE: radiografia emozionale di un disco in una manciata di bit.

Una copertina completamente nera, senza alcuna indicazione di titolo e autore. In questa veste Gesaffelstein propone al pubblico il suo ultimo lavoro, Hyperion, che arriva a ben 5 anni dal precedente Aleph. E facendo scorrere le tracce del disco forse è chiaro che veste più adatta non poteva esserci.
Hyperion è infatti un lavoro scurissimo, notturno, fatto di un elettronica di impronta decisamente dark: un album che a tratti assume quasi la forma di una tenebrosa epopea dove i protagonisti sono i  soli sintetizzatori, talvolta accompagnati dalle voci di featuring di primo livello: il funk di Pharrell Williams si nasconde tra le note di Blast Off, mentre The Weeknd dà il suo contributo in Lost in the Fire, l’episodio dell’album dove arriva qualche raggio di luce in più. Eteree le partecipazioni delle sorelle Haim in So Bad e di Electric Youth e The Hacker in Forever, dove ci si avvicina di più ai confini dell’elettropop.

La coda dell’album è affidata a un fosco terzetto di tracce: si parte con la claustrofobica Vortex, sospesa tra cupe vertigini trance, per passare poi alle solfuree esalazioni sintetiche di Memora. A chiudere è Humanity Gone, più una traccia una vera e propria suite di elettronica di oltre 10 minuti, spalmata tra sacralità (l’incipit con il suono dell’organo suona come l’avvio di un altisonante commiato) ed epica desolante. Un “de profundis” senza parole di una tragedia ormai compiuta, o comunque inevitabile: quella umana.

BITS-RECE: Diplo, California. Meno BPM e più hip-hop

BITS-RECE: radiografia emozionale di un disco in una manciata di bit.
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No, questa volta niente EDM e niente moombahton.
Se cercate il nuovo inno riempipista dovrete guardare altrove, non nella California di Diplo.
Per il suo ultimo EP, Thomas Wesley Pentz ha infatti messo da parte i carichi di BPM e le scansioni in levare che hanno fatto la fortuna sua e dei Major Lazer per far spazio alle sonorità urban dell’hip-hop.
Succede così che ascoltando le sei tracce del disco, la sensazione sia quella di trovarsi davanti non al lavoro di uno dei più influenti producer del globo, ma a una compilation delle nuove leve del rap d’Oltreoceano.
I nomi coinvolti infatti non nascondo una buona dose di coraggio, essendo per la maggior parte quasi del tutto ignoti al grande pubblico al di là dei confini americani: stiamo parlando di gente come Lil Yatchy e Santigold, Desiigner, DRAM, Trippie Redd, Lil Xan e Goldlink. Non veri e propri emergenti – almeno alcuni – ma sicuramente ancora lontani dalle stelle più brillanti del rap internazionale. L’eccezione alla regola è rappresentata da MØ, talento danese dell’elettropop.
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E così, dopo aver messo mano a successoni di Sia, Madonna e Beyoncé, ecco Diplo raccontare la California in salsa elettro-urban, con soluzioni spurie di hip-hop, r’n’b e naturalmente la trap, con tutti i suoi incantesimi al vocoder, che se sono una novità qui in Italia in America non suonano certo come una rivoluzione.
Sì, un po’ di reggaeton c’è, ma resta confinato su uno sfondo di autotune e fumosa poesia in barre. Anche questo è Diplo, e tutto sommato funziona.

Quando Madonna sfiorò il cielo: vent’anni di Ray Of Light

13043512_f520Sono passati ben vent’anni dalla pubblicazione di Ray Of Light, settimo album della gloriosa discografia di Madonna.
Vent’anni che però vengono completamente annullati dall’ascolto di un disco che risulta ancora attuale e innovativo oggi come nel febbraio del 1998.
Ray Of Light rappresenta infatti per la Ciccone la vetta massima di sperimentalismo e ricerca sonora, il punto più alto di maturità artistica di una star arrivata ormai al punto di non ritorno di iconicità globale.
Madonna lo sapeva bene, e per aprire una nuova era discografica doveva mettere in atto un’ennesima trasformazione: dopo aver fatto sanguinare gli occhi agli ambienti ecclesiastici con Like A Prayer, aver sconvolto la morale puritana d’America con le vertigini peccaminose di Erotica e aver messo in pratica le seduzioni di Bedtime Stories, serviva un colpo di scena altrettanto potente.

La nuova metamorfosi la portò sulla scia di un misticismo e di una spiritualità tanto evidenti quanto plastificati, a uso e consumo del pubblico.
La grande seduttrice lasciò il posto a un’asceta profana, una dea orientale, una presenza evanescente circondata da aura sacrale, una gheiscia emancipata, un vergine dal volto angelico con boccoli degni di Botticelli, una vestale a lutto.
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Demiurgo chiamato a dare un suono alla nuova pelle di Madonna, il produttore britannico William Orbit, che si rese artefice di una vera e propria magia.
In pochissimi altri casi, se non addirittura mai fino a quel momento, la musica di Madonna si era presentata così cesellata e dettagliata come in Ray Of Light: senza mai uscire davvero dalla grande bolla del pop, il disco ha mescolato elettronica, ambient, new age e techno, passando dagli spettrali arrangiamenti di archi di Frozen al delirio dance della titletrack, fino all’ossatura essenziale di Little Star e Mer Girl. E ancora le suggestioni ipnotiche di Skin e Sky Fits Heaven, o i contorni rarefatti di Drowned World/Substitute For love.
Preziosissimi poi i campionamenti, tra elementi orchestrali e inserti di folklore al confine della world music, mentre i testi svelavano messaggi di spiritualità e si aprivano in preghiere laiche.

MV5BNjQ1ZGY3NjMtZmFjMC00YmE5LWJmZmItOTY5YTFlMTVlNjJhXkEyXkFqcGdeQXVyMjQ0NzE0MQ@@._V1_SY1000_CR0,0,679,1000_AL_Un’unione sapientissima di tradizione e innovazione, oriente (dall’India all’Asia estrema) e occidente, in un progetto che – come sempre quando si parla di Madonna – rendeva inseparabili musica e immagine.
Non c’è da stupirsi che all’indomani dell’uscita del video di Frozen, scelta come prima e potentissima anticipazione dell’album, teenager di mezzo mondo corsero a farsi decorare le mani con l’hennè, anche se probabilmente inconsapevoli dell’origine e del significato di quei simboli: si trattava dell’ennesima moda portata nella cultura popolare da Madonna.
A quarant’anni, ormai saldamente seduta nel più alto cielo dell’Olimpo pop, Madonna compiva un nuovo, efficace e azzardato atto di trasformismo, lavando i peccati i del passato con un misticismo che si sarebbe rivelato come una geniale e silenziosa provocazione. Per capirlo sarebbe bastato aspettare poco più di un anno, quando Veronica Ciccone si ripresentò al pubblico musicalmente ancora supportata da Orbit, ma armata di ben altre intenzioni nel video di Beautiful Stranger, archiviando definitivamente uno dei suoi più riusciti e fortunati capitoli discografici.
Ma a distanza di vent’anni Ray Of Light è ancora circondato dal suo alone intatto di inviolabilità.
Per dischi così esiste solo una definizione: capolavoro.

Bali, il viaggio tra EDM e house di Ice x Diaz

Ice x Diaz - BALI
Dopo i singoli Kamate e Struggle pubblicati nel corso del 2017, il duo Ice x Diaz prosegue il suo percorso tra EDM e house e arriva fino a… Bali, addentrandosi in una selva di beat ipnotici e colori tropicali.

Il nuovo singolo è stato pubblicato in anteprima su Beatboz il 12 gennaio, mentre arriverà sulle altre piattaforme digitali il 26.
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Witness. Che succede, miss Perry?

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Una vecchia saggezza popolare vuole che nulla sia per sempre, e che ogni cosa abbia in sé una data di scadenza più o meno prolungata. Una convinzione che, fin dalla notte dei secoli, ha trovato puntuali riscontri nelle realtà, in ogni luogo e in ogni circostanza.
Non poteva non essere così anche per Katy Perry, fenomenale mangiatrice di download e classifiche. Almeno fino a ieri. Già, perché l’uscita di Witness, suo quinto album, ha trovato un’accoglienza molto più tiepida del previsto e dei precedenti lavori, raggranellando cifre anche solo comiche se pensate per una come lei qualche anno fa.
Che qualcosa si fosse incrinato sull’immacolata sfera magica della ragazza californiana lo si era intuito già l’estate scorsa, quando Rise – singolo uscito in pieno luglio senza una meta precisa ed eletto come sorta di inno delle Olimpiadi di Rio per gli Stati Uniti – non è riuscito ad andare oltre l’undicesimo posto della Billboard, un luogo che invece per la Perry doveva sembrare ormai ospitale e famigliare, visto che ci ha piazzato una quantità impressionante di numeri 1.
I musicofili, quelli seri e pensosi, dicono che la musica non è fatta solo di numeri, classifiche e download, e c’hanno ben ragione, ma noi gente del pop(olo) sappiano che nella realtà i numeri, le classifiche e i download sono la vera anima di quello stupendo carrozzone scintillante che prende il nome di music biz, dentro al quale tutti – compresi i signori seriosi di cui sopra – vogliamo sempre dare occhiate furtive. Nel caso di Rise, quasi nessuno si è azzardato a parlare di mezzo flop e tutto è passato sotto silenzio, mentre è stata massacrata Britney, che lo stesso giorno era uscita con Make Me, il singolo del suo ritorno.  
Poi a febbraio è stata la volta di Chained To The Rhythm, che è riuscito a fare un po’ meglio, ma non ha colpito nel segno come i vecchi (?) tempi. Eppure gli elementi c’erano tutti: sonorità gommose, colori pastello, pop dal ritornello fragoloso, con in più una nota politica – nel testo e nel video – prima di allora assente nella discografia di Katy. Già, perché quando si è iniziato a parlare del progetto di Witness, le parole che circolavano di più erano impegno e politica. Insomma, quello che stava per arrivare sarebbe stato il famoso album della maturità e della crescita che ogni artista cerca di piazzare nella propria carriera.
Chiudendo gli occhi anche sul mezzo passo falso di Chained To The Rhythm, si è arrivati a fine aprile a Bon Appétit, e qui non c’è stata possibilità di farla franca: un flop bello e buono, un brano completamente ignorato dalle classifiche (almeno ai piani alti) e massivamente massacrato da pubblico e critica. Non sono bastate le generose metafore tra sesso e cibo, un video sicuramente molto carino e una promozione potente a risollevare le sorti di una canzone mediocre, inzuppata di trap e lontanissima dalla forza di pezzi come E.T., Firework, Roar e Dark Horse.
Praticamente la stessa sorte è toccata poi a Swish Swish, singolo promozionale che vedeva anche la partecipazione di Nicki Minaj, una delle più carismatiche rapper dei nostri tempi, nonché fenomenale tappabuchi quando si tratta di realizzare featuring.
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Ma è stato solo quando l’album è uscito che ci si è resi conto della delusione: di tutto l’impegno promesso, in Witness se ne ritrovano solo pochi riflessi qua e là, e la famosa crescita agognata non si è vista. Katy Perry non si è trasformata in una militante pop (nonostante sia quella che si è più spesa per la Clinton in campagna elettorale) e Witness è un semplice album “alla-Katy-Perry” forse solo un po’ meno farfallone dei precedenti, in cui c’è un po’ di questo e un po’ di quello, c’è tanta elettronica, tante memorie degli anni ’80, ci sono anche novità sonore (vicinanze alla house e all’EDM), ma non c’è il pezzo-bomba, e soprattutto non c’è quello che ci si aspetterebbe di trovare in un album “impegnato”.
La Perry ha provato a togliersi gli abiti da fatina, ha provato a spazzolare un po’ di nuvole di caramello dai suoi brani, cercando allo stesso tempo di restare fedele al suo marchio pop simpaticone, ma la sua sfera magica si è incrinata.
Quando si è capito che l’aria tirava male, come spesso accade è stata messa in moto una potente e fastidiosa campagna promozionale, con dichiarazioni di amore e pace per chiunque, da Lady Gaga alla nemica di sempre Taylor Swift, che non pare comunque essersi troppo commossa, fino alle dichiarazioni del meditato suicidio in passato. Davvero molto pretestuoso.

Nel 2013, quando proprio Lady Gaga ha fatto il tonfo con l’elettronica acida e azzardata di ArtPOP – album che varrebbe comunque la pena di rivalutare a distanza di quattro anni – la Perry sembrava la salvatrice del pop, l’unica in grado di avere la ricetta segreta per il successo ad occhi chiusi.
Witness si è preso il primo posto in Billboard, ma con un debutto inizialmente previsto a 220.000 copie e poi rivisto al ribasso a 180.000; in Inghilterra si è dovuto accontentare del sesto posto, così come in Italia. L’unico posto dove l’album sembra fare scintille è la Cina, che ha da poco regalato a Witness il quinto disco di platino per le oltre 100.000 copie vendute.rs-katyp-v2-0361343b-45ad-4f5e-923e-ac413cb9faf0 (1)
E allora, che succede adesso, miss Perry? Niente, non succede assolutamente niente di strano. Succede solo che oggi ti va bene, domani non lo sai. Perché i gusti del pubblico sono capricciosi e traditori: oggi ti innalzano agli altari, domani ti buttano nella polvere, anche se magari tu ce l’hai messa proprio tutta (l’unica cosa che personalmente non le perdono è aver pubblicato un singolo come Bon Appétit, ma pezzi come Bigger That Me e Into Me You See non sono male per niente). Basti pensare che nel 2010 a finire nel fango del flop fu Christina Aguilera, che aveva pubblicato un album tutt’altro che brutto come Bionic, e che poi nel 2012 ha ri-floppato con Lotus, altro disco che quanto a qualità mangia in testa a molti bestseller.
Vuoi il karma, vuoi la moda, vuoi la sfiga, succede e basta. Katy Perry pareva infallibile, e adesso sappiamo che non lo è, e questo non può che rendercela un po’ più simpatica.
Dopo tutto, è solo un flop, ci sono passati (quasi) tutti.

#MUSICANUOVA: Benny Benassi, Lush & Simon, We Light Forever Upm (feat. Frederick)

Basterebbe citare solo i nomi degli artisti coinvolti in questo progetto per rendere l’idea della portata di We Light Forever Up.
A collaborare a questa traccia sono stati infatti tre pesi massimi della scena dance mondiale, tutti e tre italiani: Benny Benassi e Lush & Simon.
Se il primo è una vera e propria star internazionale, gli altri due sono ormai molto più di una rivelazione, ma una concreta realtà della scena EDM internazionale.
Per l’occasione i tre DJ e produttori si sono avvalsi dell’apporto vocale di Frederick.